古琴，作为一种雅玩，在我国的民俗文化村中占有一席之地。它不仅是一种乐器，更是中国传统文化的象征。在社会中，古琴以其独特的声音和深远的情感，一直吸引着人们的注意。
梧桐做面的古琴，以其优美的外观和精湛的手工艺，成为了一种艺术品。而其中的心脏部分，即岳山、龙池、凤沼，是古琴的灵魂所在。十三个徽位则代表了一个完整的一年周期，其中包含了十二个月和一个闰月。
七根丝弦与古琴共鸣，每一次弹奏都能激发出悠扬悦耳的声音，这些声音仿佛来自天籁，让人心醉神迷。每一笔划，每一次按弦，都承载着无数的情感和故事。
从伏羲时代到现代，古琴一直是中国音乐艺术的一部分。在北京大学成立的音乐研究会中，为了区分于其他类型的“琴”，才有了“古琴”这个名称。当时受西方影响，北大经常举办公开或半公开的古琴雅集，这使得源自伏羲时代的音乐走进了现代大学校园。
然而，在历史上，古琴并非大众享用的物品，而主要属于少数显贵达官和文化精英。这也正好解释了为什么自明清以来，北京就与 古琴结下了不解之缘，无论是这里的人文还是财力，都吸纳了众多名家名曲。
北京还有藏私收藏音律传统，那些达官显贵即便自己不会弹，也要藏几张名曲。一方面为了附庸风雅，一方面当作珍奇保存。紫禁城里的名曲更是五花八门，不仅有实用性的木制面，还有装饰性的铁皮、铜质及石材制作的大型乐器。大多数留存至今的大名曲，都曾经过北京，有一些深藏于紫禁城角落，比如充满传奇色彩的大圣遗音。而另外一些原本收藏于民间，上世纪50年代后被故宫博物院收藏，如最著名唐代九霄环佩那上刻苏东坡亲笔题写诗的地方。
这些名字听起来既高尚又神秘，但实际上，他们对于这类对象都抱有一种敬畏之心，因为他们知道这些不是普通物品，它们蕴含着丰富的情感和深厚的地理意义。而且它们活生生的，只要装上弦，就能演奏出美妙旋律，与任何机器都不一样，它们可以变化，可以创造新的声音，就像那些未知的小小变革一样令人期待新鲜体验。
《风宣玄品》中的三十四幅双面插图之一1539年按照1279年的原稿刻印，更展示出了这份坚持与追求完美的心态。这种不可再现性，或许正是在使用过程中的灵动变化，使得“今”字下的那个“今”想体现出的妙义——即使一件东西历久弥新，它真正散发出光芒的是在不断使用中产生出来的一瞬之间，那是一种生命力，也是一种永恒的话语。但同样地，这份生命力也是脆弱易损，如果碰撞或破损，就需要修复才能继续发声。如果不是真正懂得如何修理的人，最好的办法就是尊重它，不去触碰，从而保持其完好的状态。但对那些理解过它结构调整的人来说，他们甚至能够根据自己的理解，对这名字里带来的所有可能进行调整修改，而他们一定真的懂得音律，同时也懂得木漆工艺。不懂者自然也不敢轻易动手，所以只有真正明白此事的人才能够把握住这样的事情进行处理，他们既了解音律，又熟悉木漆技术，因此不能随意改变，没有人敢轻率地对待这样的宝贝，因为它们太容易受到伤害，并且如果发生什么不好的事情，那么原本如此珍贵的事物将变得毫无价值可言。这就是京城里关于这个事情的一个趣味点：虽然这是极为讲究的事情，但也有许多隐藏在背后的故事等待探索：
左手按右手弹：这是弹奏技巧之一，用的是指尖与指甲来控制声音。如果只用指甲，“啪啪”的声音太刚；但如果只用肉，则声音柔软却难以听到，因此最好采用半甲半肉方式，即刚柔相济。此法虽看似简单，却要求极高技巧，因为手触弦时速度非常快，看不到具体情况，只靠感觉掌握。
境界：弹奏本身是一种境界听响亦然。当你听到那种纯净幽泉汩汩流淌的声音，你会感到身体内部某处松开紧绷状态般舒缓开启一种安宁状态。
雅集：由于这种情形很讲究，因此通常只限于三五知己参加。如果陌生人出现，也不会轻易表演除非先坐下来喝茶聊天，如果投机还摆起架子焚香打算然后开始演奏若对方没接近那么就会找借口婉拒。那因为昂贵而敏感无法逃避的事实让人们选择闭口反倒更加慎重。
职业化趋势：最近几年，由于是繁华都市生活日益忙碌，在寻求片刻宁静时发现到了专业演奏者的存在以及爱好者更广泛地兴起成群结队学习教授教学生习专注于此事活动展现出一种精神追求
因此，当我们回顾过去，我们看到的是一个充满智慧勇气同时又温暖友好的世界；当我们展望未来，我们看到的是一个开放包容充满希望但是又有些挑战需要克服的地方。在这一切背景下，我们仍旧坚信我们的努力终将见效，为我们共同构建更加伟大的世界贡献力量。这一切都是通过那飘逸悠长而又微妙复杂的声音所实现，并且只有当我们真正聆听的时候才能完全领略到其中蕴含的情愫真谛。此情此景，让我沉思良久，我决定记录下来，以供日后回忆。我希望我的文字能够捕捉到那种特殊氛围，以及那个人们共同分享的一段历史。我相信每个人都能从这些记忆中学到东西，从而找到自己内心深处渴望探索的问题答案。你愿意加入我吗？一起走进那个充满智慧梦想的地方吧！